17 jun. 2011

Revista de cultura. Montepulciano, Italia - Buenos Aires

http://off-montepulciano.blogspot.com/


ARTE

Selva Zabronski

Muestra: Pinturas Selva Zabronski 2005/2011
Fundación Lebensohn del martes 26 de julio al viernes 26 de agosto de 2011
Horario de visitas: Lunes a Viernes de 14 a 19 hrs. Entrada libre y gratuita.
Gral. Hornos 238 (Barracas) - 5093-6750 - www.fundacionlebensohn.org.ar

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CUIDADO, OBRA SALVAJE
Selva Zabronski nació en Buenos Aires en 1969. Es artista plástica y diseñadora gráfica, según su propia definición y en ese orden. Tal vez sea por eso que su camino creativo recorre ambos territorios de manera lúdica y despreocupada, como quien camina en una calle que divide naciones. La obra de Selva desobedece los límites, se burla de las fronteras y le toma el pelo a los pasaportes establecidos por ambas disciplinas.
Los pinceles de Zabronski son inquietos y camaleónicos, se aburren de sí mismos y se atreven a cambiar de forma. La caricia de las cerdas deja lugar al trazo trémulo y púber de una bic, la legendaria tinta china besa la tela en la punta de la pluma, pero enseguida cede a la gris nostalgia del grafito que todo lo aleja y lo olvida. La estrafalaria alegría de los dedos juega caprichosamente con el color hasta que el cursor de la mac recorre otros rumbos digitales dejando un sendero de huellas hechas de bits.
Todo es posible en el mundo de Selva. Nada le está vedado, excepto el aburrimiento y los estereotipos. Además de investigar y experimentar con la pintura, la fotografía, la ilustración y el grabado, Selva utiliza la computadora como herramienta de trabajo.
Su formación ha abrevado en las nutritivas fuentes de Miguel Melcón, Eduardo Médici y Patricio Larrambedere. Sin embargo, es difícil encasillarla en una escuela. Su trabajo no es corriente pero se transmite con una sencillez y una naturalidad que el alma agradece. Los temas de Zabronski pueden ser fatuos o escabrosos, demenciales o violentos, melancólicos o pueriles, pero las historias que cuentan sus cuadros no son ajenas a quien las contempla.
Tal vez sea exagerado decirlo, pero mejor prevenir al advenedizo: asistir a una muestra de Zabronski puede ser una experiencia peligrosa; algo hay en su obra que induce a tenerla cerca durante más tiempo, a conservarla y poseerla, como una entidad protectora o un talismán. Poseerla es dejarse poseer; por ello, vale la pena. Quienes conviven a diario con alguna de sus obras coinciden en que un Zabronski colgado en la pared se roba algo del terreno de los sueños, le cede algo a la impunidad de la infancia y le dona otro tanto al goce de la felicidad.
\Vesna Kostelich / 25-5-2011
comunicadora social y escritora

ATTENZIONE, OPERA SELVATICA
Selva Zabronski è nata a Buenos Aires nel 1969. E' un'artista visivo e graphic designer, secondo la sua propria definizione e in questo ordine. Forse è per questo suo percorso creativo scorre entrambi i territori giocoso e spensierato, come chi cammina in una strada che divide le nazioni. Il lavoro di Selva sfida i limiti, si ride dei confini e prende in giro i metodi stabiliti per entrambe discipline.
I penelli di Zabronski sono inquieti e camaleonte,si annoiano di se stessi e hanno il coraggio di cambiare forma. La carezza delle setole lascia il posto a tracciati di una penna tremante e pubescente, il leggendario inchiostro cinese baccia il tessuto con la punta della penna, ma subito cede il passo alla nostalgia della grigia matita che tutto lo alontana e dimentica. La gioia dei suoi diti gioca capricciosamente con il colore fino a quando il cursore del mac percorre altre direzioni digitale lasciando una scia di impronte fatta di bit.
Tutto è possibile nel mondo di Selva. Nulla è proibito, tranne la noia e gli stereotipi. Oltre a indagare e sperimentare con la pittura, fotografia, illustrazione e incisione, Selva ha utilizzato il computer come uno strumento.
La sua formazione è stata alimentata con fonti di nutrienti di Miguel Melcón, Eduardo Médici e Patricio Larrambedere. Tuttavia, è difficile da classificare in una scuola. Il tuo lavoro non è tipico, ma è trasmesso con una semplicità e naturalezza che l'anima è grata. Gli argomenti di Zabronski possono essere fatuo o cruente, demente o violenti, malinconia e puerile, ma le storie che i suoi dipinti raccontano non sono estranee a chi guarda.
Forse è troppo dire, ma è meglio il prevenire: assistere a una mostra di Zabronski può essere un'esperienza pericolosa, c'è qualcosa nel suo lavoro che porta a volere stare vicino a loro piu tempo ancora, di conservarla e possederla, come un ente o un talismano protettivo . In possesso anche essere posseduto, motivo per cui merita. Coloro che vivono ogni giorno con alcune delle loro opere sono d'accordo che una opera di Zabronski sul muro ruba qualcosa al regno dei sogni, dà qualcosa per l'impunità del bambino e gli dà tanto al godimento della felicità.Vesna Kostelich / 25-5-2011 Blogwww.cronicasdelacebolla.blogspot.com

EL ARTE DEL ERROR
Jugar con la idea de que el error produce figuras. Entregarse al accidente. Disfrutar de lo inesperado. Algo de la niña y algo de lo onírico. Selva Zabronski se da permiso para un viaje sin boleto, directo a la tela, desde ese íntimo patio trasero que es el inconsciente. En su obra, las figuras emergen de lo inmanejable de la mancha.
No hace falta decirlo todo. Un animal que grita. Una mujer de boca enorme en un salto amenazante y sensual. Tres piezas donde marrón y bordó arman una secuencia: primero un hombre que camina, luego un gesto del hombre y, finalmente, la sombra del gesto.
La mancha como una escupida. El papel muy cargado. La tinta corre. Se hacen globitos de humedad. Zabronski rinde tributo a las telas sucias (1998-2003), le gusta meter el pincel en un color y luego en otro, deliberadamente. En su iniciación se siente expresionista. Y se identifica con el arte brut, en oposición a la producción controlada. Lo brutal como primario, instintivo, visceral.
Luego da la bienvenida a una pseudo desprolijidad. La provoca. Allí donde agua y aceite se repelen empieza la línea. Mezcla agua con solvente, o con tintas, o con crayones. Mezcla y aplica espátula. Su aproximación a la técnica mixta (2003-2006) inaugura nuevas búsquedas, un descubrir la situación en medio de la tela. Obras entre el gesto y la situación. Piedra libre a lo sutil.
Y llega un tiempo en que la mancha se vuelve línea, la artista incorpora su oficio de diseñadora gráfica (2008 en adelante). Obras que combinan la intensidad de naranjas y verdes con la minuciosidad del pincel fino y la tinta china. Selva en estado zen, colgada días enteros para lograr el detalle de guardas y florcitas doradas. Una delicadeza de estampa japonesa en el arte brut.
Selva juega. Genera climas. Entrega a la tela sus estados de ánimo. No quiere perder la mancha. Ni al mundo onírico. Ni a esa niña que, con cada retazo de tela, acaricia y provoca.
Eva Amorín - Mayo 2011.

L'ARTE DEL ERROREGiocare con l'idea che l'errore produce figure. Consegnarsi all'incidente. Godere l'imprevisto. Qualcosa di ragazza e qualcosa dei sogni. Selva Zabronski si ha permesso di viaggiare senza biglietto, direttamente sul telaio, da un cortile intimo che è l'inconscio. Nel suo lavoro, le figure emergono dalla macchia.

Non è necessario dirlo tutto. Un animale che piange. Una donna di enorme bocca in un salto minacciosa e sensuale. Tre pezzi dove il marrone e il bordo fanno una sequenza: primo un uomo che cammina, poi un gesto del uomo e, infine, l'ombra del gesto.
La macchia come sputo. La carta molto caricata. L'inchiostro corre. Si fanno bolle di umidità. Zabronski rende omaggio ai telai sporchi (1998-2003), ama mettere il pennello in un colore e poi un altro, deliberatamente. Nel suo esordio si sente espressionista. E poi si identifica con art brut, in contrapposizione alla produzione controllata. Lo brutale come primario, istintivo, viscerale.
Poi il benvenuto ad un pseudo disordine. Lo provoca. Dove l'olio e l'acqua si respingono ogni linea comincia. Miscela Acqua e disolvente, o inchiostro, o pastelli. Mescola e applica con spatola. Il suo approccio alla tecnica mista (2003-2006) apre nuove ricerche, scopre situazioni in mezzo ai tessuti. Opere tra gesto e situazione. Tana alla sottilezza.
E arriva il momento in cui la macchia si trasforma in linea, l'artista riprende il suo lavoro come graphic designer (2008 in poi). Un lavoro che coniuga l'intensità di arancio e verde con dettagli pennello e inchiostro. Selva in stato Zen, a lavorare per giorni e giorni per avere il dettaglio delle decorazioni e piccoli fiori dorati. Una delicatezza di stampe giapponesi nella art brut.
Selva gioca. Genera climi. Consegna alla tela i loro stati d'animo. Non vuole perdere la macchia. Né il mondo dei sogni. O quella ragazza che con ogni pezzo di tela, accarezza e provoca.
Eva Amorín - Maggio 2011.

Expresionismo
El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.
El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.
La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía también supuso para los artistas una gran fuente de inspiración.
Precedentes del Expresionismo
Encontramos algunas raíces del Expresionismo en las pinturas negras de Goya, que rompe con las convicciones con las que se representaban las anatomías para sumergirse en el mundo interior. Sin embargo, los referentes inmediatos son Van Gogh y Gaugain, tanto por la técnica como por la profundidad psicológica.
Otro grupo de gran influencia es el simbolismo, entendido como la búsqueda en la cual el artista, limitando la pintura objetiva, concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y los sueños.
El Expresionismo se inicia con un periodo preliminar representado por el belga Ensor y el noruego Munch.

Espressionismo
Con il termine espressionismo si usa definire la propensione di un artista a privilegiare, esasperandolo, il lato emotivo della realtà rispetto a quello percepibile oggettivamente. Tale tendenza si è manifestata in molte forme d'arte, come la pittura e l'incisione, la danza, la letteratura, l'architettura, il cinema, il teatro, la musica.
In senso generale, anche artisti come Matthias Grünewald ed El Greco possono essere considerati espressionisti, ma storicamente "espressionismo" è un movimento culturale europeo circoscrivibile a circa un ventennio che coincide con i primi anni del 1900, inquadrabile nelle cosiddette avanguardie artistiche e sviluppato soprattutto in Germania tra il 1905 e il 1925.
Caratteristiche del movimento
L'espressionismo proponeva una rivoluzione del linguaggio che contrapponeva all'oggettività dell'impressionismo la soggettività dell'espressionismo.[senza fonte] L'impressionismo rappresentava una sorta di moto dall'esterno all'interno, cioè era la realtà oggettiva a imprimersi nella coscienza soggettiva dell'artista; l'espressionismo costituisce il moto inverso, dall'interno all'esterno: dall'anima dell'artista direttamente nella realtà, senza mediazioni.
Il senso dell'Espressionismo produce una ribellione dello spirito contro la materia e quindi gli occhi dell'anima sono la base di partenza della poetica espressionistica. L'occhio interno si sostituisce a quello esterno creando, in qualche modo, una sorta di confusione fra etica ed estetica.[1] Il nuovo linguaggio riprende alcuni elementi romantici, come ad esempio l'identificazione romantica fra arte e vita. La natura dell'espressionismo è ricca di contenuti sociali e di drammatica testimonianza della realtà. Ma la realtà tedesca dei primi anni del secolo è la realtà amara della guerra, di contraddizioni politiche, di perdita di valori ideali, di aspre lotte di classe, e proprio questi furono i temi principali e dolorosi degli artisti espressionisti. Inoltre gli artisti espressionisti polemizzano contro la società borghese, contro l'alienazione del mondo del lavoro, contro la visione positivistica del mondo, dello scientismo e delle leggi di causalità.
L'intento del movimento espressionista era quello di ritrovare il dato comunicativo nell'arte, infatti questi artisti criticheranno le correnti passate: gli impressionisti, perché l'impressione su cui si basavano non creava comunicabilità con lo spettatore; i simbolisti, poiché la loro arte piena di simbologie e riferimenti culturali intensi e profondi non offriva una facile lettura allo spettatore, tanto che venne definita "arte per pochi"; i neoimpressionisti, per il loro approccio troppo scientifico nei confronti dell'arte; il modernismo o Liberty (che si muoverà di pari passo), considerato come puro movimento di gusto e moda dell'epoca.
Ma la molteplicità del movimento si evidenzia nella frattura fra la componente cosmica, degli eternisti a caccia di una fede nuova, quella politico-sociale degli attivisti e quella astratto-geometrica tendente a ricostruire nuove forme naturali.

Art Brut
El Art Brut es un término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet para referirse al arte creado por gentes ajenas al mundo artístico sin una formación académica.
Sus obras son el reflejo de una creatividad pura sin contaminar por la imitación de modelos ya establecidos. Dubuffet afirma que todos llevamos un potencial creativo que las normas sociales actuales anulan. Esto se observa en las creaciones de personas que se mantienen al margen de la sociedad, tales como: internos de hospitales psiquiátricos, autodidactas, solitarios, inadaptados o ancianos. Desde 1945 Dubuffet recoge estas obras, fundando en 1948 la "Compagnie d´Art Brut" junto a André Breton, Michel Tapié y otros. La colección formada llega a las 5000 obras, que se exponen por primera vez en 1967 en el Musée des Arts Decoratifs de París, instalándose definitivamente en 1976 en el Château de Beaulieu de Lausana. La colección está formada en su mayoría por obras de enfermos psiquiátricos, generalmente esquizofrénicos; pese a ello, Dubuffet rechazó siempre la idea de "arte psiquiátrico" afirmando que "no existe un arte de los locos". El art brut constituye un aspecto fundamental del primitivismo asumido a lo largo de todo el siglo XX por ciertos artistas que permanecen al margen de la modernidad.

Art Brut
Il concetto di Art brut (in italiano, letteralmente, Arte grezza) è stato inventato nel 1945 dal pittore francese Jean Dubuffet per indicare le produzioni artistiche realizzate da non professionisti o pensionanti dell'ospedale psichiatrico che operano al di fuori delle norme estetiche convenzionali (autodidatti, psicotici, prigionieri, persone completamente digiune di cultura artistica). Egli intendeva, in tal modo, definire un'arte spontanea, senza pretese culturali e senza alcuna riflessione.